Akira Yamaoka, la canción de Silent Hill

Silent Hill es una saga que revolucionó el survival horror y que se reafirmó con una personalidad propia que la diferenciaba de otras obras del género: protagonistas vulnerables ante una amenaza superior e infranqueable, historias muy intimistas y un imaginario perturbador. La identidad de Silent Hill reside en su atmósfera, en la niebla extraña que envuelve al pueblo maldito y le confiere ese aire pesadillesco, el desamparo ante una calma amenazadora y una banda sonora inquietante y delicada. Tras sus notas, Akira Yamaoka, un pilar fundamental de todo un referente del terror que ha cumplido su 20º aniversario este 2019.

Akira nació el 6 de febrero de 1968 en Niigata (Japón),y su enamoramiento con la música llegó a través de la radio, cuando Moon Over Moscow le cautivó. “Cuando estudiaba en el colegio, me encantaba la música británica de los 80”, relata a Spelmusik (2002). “Me sigue gustando la atmósfera de aquel gusto europeo, sobre todo Ultravox, Visage y Alcony Plank con sus sintetizadores. También me gusta la música alemana. En aquella época, por ejemplo. Nitzer Ebb y Propaganda. Me encantan esos sonidos grandes y gordos. Y, para ser sinceros, me enganchó el punk al principio: Discharge, Chaos UK, The Exploited, Hardcore Punk, etc. Sigo escuchando esa música. Básicamente, si la música es original y persuasiva, la escucho”.

Yamaoka compuso su primer tema cuando estudiaba en la escuela y aprendió música de forma autodidacta. “Me compré un ordenador y aprendí a hacer secuenciación. […] Recuerdo que versioné a Sigue Sigue Sputnik.”. Durante su etapa de estudiante, Akira empezó a tocar en un grupo de punk rock. Sin embargo, Yamaoka no había contemplado su afición como una carrera profesional: él quería dedicarse al producto de diseño e interiores, para lo cual se formó en la Universidad de Arte de Tokio. No obstante, su pasión no le abandonaba; es más, le sirvió para alimentar su creatividad: “Mick Karn de Japan, Steve Strange de Visage y muchos más músicos combinaban sus conocimientos de arte y música en su estilo, y yo me he visto influenciado por ellos.”.

Akira Yamaoka también adora los videojuegos desde siempre, como le relató a Konami Europe en 2014. Su talento musical, premiado en diversos certámenes, le abrió las puertas de la industria: “Tuve la oportunidad de conocer a un productor de música y videojuegos que me ofreció varios encargos , lo cual supuso el inicio de mi carrera musical.”. Yamaoka, aun así, tenía en mente que su lugar estaría en la arquitectura, aunque su ópera magna estaba aún por llegar.

Ampliar

Fue así como, en 1993, Yamaoka entró en Konami, donde trabajó en la banda sonora de Sparkster. “Lo recuerdo muy bien, porque había muchas limitaciones en las especificaciones de hardware y tuve que tirar mucho de prueba y error. Mi música entonces era demasiado fresca.” (Akira Yamaoka para Spelmusik). El compositor continuó confeccionando partituras para títulos como Contra y Gradius, los cuales le ayudaron a desarrollar una metodología creativa, basada en jugar cada título antes de componer; incluso combinaba ambas tareas utilizando dos monitores. “Creo que jugar y sincronizarse con los usuarios experimentando lo mismo que ellos es extremadamente importante”.

Las canciones de Yamaoka se caracterizan por la contagiosa carga emotiva en ellas, que él afronta desde la conciliación entre su estado de ánimo natural y el que desea transmitir: “Cuando intento crear música alegre, me acabo deprimiendo. No quiero ponerme muy filosófico, pero cuando tratas con música y la compones, debes mantener cierto equilibrio. Si creas demasiadas canciones alegres, te acabas volviendo negativo. Pero cuando compongo música oscura me centro en una parte que no es inherente en mí, pero que suma a mi yo-músico, y el resultado es que emerjo de toda oscuridad en la que me haya sumergido.”.

Ampliar

Yamaoka, quien participó en más títulos como Vandal Hearts, Snatcher y Castlevania: Symphony of the Night, sabía que era la persona adecuada para embarcarse en el nuevo proyecto de Konami: un videojuego de terror psicológico en manos del recién formado Team Silent. El planteamiento de la nueva obra, más versada al intimismo y alejado del gore explícito, conectaba a la perfección con el artista: “No quiero que se me malinterprete; me encantan las películas de terror sangriento como el que más, pero el terror psicológico y la atmósfera tienen mucho más que ver con lo que soy y, más importante, con lo que no soy.”. (Yamaoka para FactMag, 2015).

Terror psicológico a ritmo industrial

Akira Yamaoka quería marcar la diferencia dentro del survival horror. Es por eso por lo que escogió la música industrial como base sobre la cual trabajar, como explicó a Spelmusik: “Tenía la sensación de que la música industrial poseía esa esencia que necesitaba y que no encontraría en la música ‘típica’. También me pareció que esa sensación fría y oxidada que sólo la música industrial sabe crear encajaba a la perfección en Silent Hill”. El compositor cita como sus influencias a Angelo Badalamenti (compositor de Twin Peaks), Metallica y Depeche Mode. Suspiria (Dario Argento), una de sus películas preferidas, también marcó al músico en sus creaciones a lo largo de su carrera y, sobre todo, en la recién nacida saga que le encumbraría.

Team Silent, al principio, tenía sus reservas ante la creación de Yamaoka, e incluso creyeron que había un fallo técnico en la muestra que les ofreció el músico. El artista defendió ante el equipo que el uso de elementos metálicos y las disonancias eran intencionadas y, finalmente, acogieron la extraña elección. Dicha decisión dio buen resultado, puesto la creación del músico no pasó desapercibida en la crítica. Así, Total Video Games la destacó en su análisis como un personaje principal: “Cada escena se define por la emoción que transmite la música de fondo. De hecho, la música es tan fascinante, que no dejarás de oír en tu cabeza esos gritos, crujidos y aullidos tan definidos.”.

Akira Yamaoka se convirtió en una parte esencial del alma de Silent Hill. Había logrado su propósito de hacer de dicho título una obra que destacaba a nivel artístico. Al primer lanzamiento le sucedió Silent Hill 2, que el compositor nombra en FactMag como su preferido: “Silent Hill 2 fue muy especial en su momento. Era tan único que los fans necesitaron tiempo para engancharse él. Echando la vista atrás, sigo que creyendo que es el que más destaca en toda la saga. En primer lugar, cuando se lanzó, era inaudito que un videojuego explorara la eutanasia, las enfermedades terminales, culpabilidad, abuso y represión sexual. Tratar todo eso a la vez fue muy innovador en 2001. […] Además, fue uno de los primeros juegos en introducir la música rock e industrial, sobre todo en Japón, y sin resultar artificial.”.

Ampliar

Durante el proceso creativo de Silent Hill 2, Akira Yamaoka había evolucionado mucho en su estilo musical, que él definió en Spelmusik como mucho más enriquecido. En cuanto a los efectos de sonido, había perfeccionado el hiperrealismo en detalles como las propias pisadas, para así causar en el jugador “la sensación de estar ante una película de alta interactividad”.

Akira Yamaoka se había involucrado cada vez en el desarrollo de Silent Hill. Como diseñador de sonido, aportaba también sus ideas sobre otros aspectos del juego, lo cual lo condujo a convertirse en productor de Silent Hill 3 y, posteriormente, Silent Hill 4: The Room. Fue aquí donde introdujo en su música la voz de Mary Elizabeth McGlynn, a quien el compositor escogió por su capacidad de transmitir tantas emociones y matices, y con quien continuó trabajando durante las posteriores bandas sonoras. Junto con ella, creó temas tan icónicos como Your Rain, o Room of Angel. En el caso de Silent Hill 3, Yamaoka presentó a su protagonista Heather Mason cantando el tema You’re Not Here, con la voz de McGlynn: “Normalmente, la creación de un vídeo musical sigue el proceso básico de mezclar letra, música e imagen. Pero me planteé esto de forma diferente. Heather es la protagonista del juego, ¿por qué no iba cantar ella el tema principal? […] Claro que Silent Hill es un juego de terror, pero este planteamiento también es interesante, con Heather cantando rodeada de horrores.”.

Silent Hill 4 fue un paso más allá en cuanto a ambientación. El terror no sólo se encontraba en el pueblo maldito, sino en la claustrofobia generada por la idea de convertir el propio hogar, el lugar más seguro del mundo, en una prisión donde los rincones más familiares se habían convertido en una amenaza. Sin embargo, los cambios de The Room no fueron bienvenidos por los fans más puristas, y esta entrega se convirtió en el punto de inflexiónde una saga que fue marchitándose durante los sucesivos títulos. Konami decidió cerrar Team Silent y trasladar la creación de los nuevos Silent Hill a estudios occidentales. Akira Yamaoka permaneció como compositor en Origins, Homecoming y Shattered Memories. Su música fue recuperada y adaptada, bajo la supervisión del artista, para la película Silent Hill (Christophe Gans). En 2009, Yamaoka abandonó Konami para unirse a Grasshopper, el estudio de Suda51. Durante el Tokyo Game Show de 2011, el músico describió qué había significado dicho cambio en su vida: “Nada ha cambiado desde que dejé Konami. Lo cierto es que sigo componiendo música igual que en el pasado. La única diferencia es que las horas para hacerlo se han reducido y como más rápido de lo habitual para poder llegar a hacer todo el trabajo extra. Suda me trata muy bien, podría ser un poco más duro conmigo, pero me trata muy bien. Sigo desempeñando el papel de productor, y además superviso todos los juegos y los gestiono. En ese aspecto, yo diría que tengo más responsabilidad y que trabajo más ahora.”.

Akira Yamaoka ha continuado confeccionando música diversa que sigue llenando de personalidad los videojuegos de Grasshopper, así como canciones más allá del ocio digital. Sin embargo, Silent Hill ha sido la saga que más huella ha dejado en su trayectoria, y a día de hoy se sorprende de que le sigan entrevistando por ella veinte años después. Durante sus conciertos, sigue interpretando las canciones del pueblo maldito, y en Telegraph menciona Theme of Laura como una de las canciones más queridas por las fans.

Ampliar

Silent Hill conserva un lugar en el corazón de Akira Yamaoka, quien se ilusionó ante el anuncio de Silent Hills, creado por Hideo Kojima y Guillermo del Toro. Un escalofriante teaser jugable, con un hiperrealismo que cautivó a los jugadores y prometía el despertar de una saga languidecida. Y, sin embargo, su cancelación hizo añicos las esperanzas de un regreso soñado incluso por el mismo músico: “El desarrollo del juego se encontraba en una fase temprana de desarrollo, mucho más temprana de lo que la gente veía, y entonces yo no estaba a bordo del proyecto. Y deseaba estarlo. Pero me asombró que se cancelara, incluso como fan.”. (Yamaoka para FactMag).

Y a pesar del sinsabor de un Silent Hills que pudo ser y nunca fue, y de la interrupción de una saga que no volvió a brillar con el fulgor de sus primeros títulos, Silent Hill continúa siendo una leyenda en el género de terror. En Konami Europe, Akira Yamaoka definió qué terminó por hacerle tan adorado por los jugadores: “El sentimiento del miedo está muy influenciado por la cultura, al igual que sucede con la comedia. A veces, lo que da miedo a los japoneses no asusta a los extranjeros, y viceversa. Desde este punto de vista, Silent Hill difiere de otros videojuegos de terror populares, y creo que este es una saga muy especial. A pesar de que nunca se planteó como una obra de terror popular, se acabó volviendo popular gracias a ser tan única.”.

Y es que Silent Hill no sólo trata de sustos y temor; explora el lado más oscuro de la humanidad, así como la autenticidad de emociones como la pérdida, la soledad, la culpabilidad o el perdón. La esperanza desgarrada de Promise, o el dolor de Betrayal, o la melancólica nana en Room of Angel nos siguen encogiendo años después de habernos dejado engullir por el Otro Mundo.