Grandes Bandas Sonoras

Silencio en la sala, va a comenzar nuestro particular Concierto de Navidad. Un polígono de nueva generación recoge los píxeles que quedan sueltos por el escenario, miles de notas se preparan para ser emitidas mientras se abre un telón con vistosas texturas que emulan una ondulante tela roja. Instrumentos, coros, batutas y el director de orquesta: el pad de no se sabe qué consola. ¡Bienvenidos al repaso por el mejor sonido de nuestra industria favorita!

Con motivo del flamante año videojueguil que hemos tenido en 2007, MeriStation quería hacer a sus lectores un gran regalo de Navidad: el comienzo de un reportaje seriado que ilustre y recoja las mejores bandas sonoras musicales de videojuegos de todos los tiempos. La música es hoy un factor decisivo para la valoración general de cualquier título. Prueba de ello es que todas nuestras Obras Maestras pueden presumir también de un apartado sonoro magistral, que siempre apoya a la brillante calidad final de estos juegos.

En este primer Volumen 1 hemos recapitulado las que, a nuestro parecer, son las mayores composiciones musicales creadas para polígonos en movimiento controlados por un jugador. Página a página, viajaremos detalladamente por decenas de melodías que han marcado a todo buen videoadicto, un recorrido por las memorias, las sensaciones y las emocionantes vivencias con un mando en las manos. Al final de cada página, os hemos puesto un enlace a Amazon.com donde se pueden consultar las listas de canciones y comprar por internet los CDs.

No obstante, puesto que sabemos que habrá alegrías y descontentos con los títulos que hemos destacado por su música, en El Quid de la Cuestión de esta semana podéis dejar todas vuestras sugerencias para números posteriores, algunos de ellos pensados con estructura monotemática, como, por ejemplo, Grandes Bandas Sonoras Retro, en el que destacaremos las mejores de los juegos de 8 y 16 bits.

No queremos desvelar nada más, a pesar de que las fotos ya parezcan anunciar algo de lo que viene, encontraremos obras muy conocidas, sorpresas agradables y curiosidades musicales de los ápices de la industria. Cada paso de página es una nueva esquina por descubrir, un giro hacia lo informativo que repasará los datos y valoraciones de los temas a prueba de los oídos más selectos y selectores. ¿Empezamos?

Un mito para empezar. La misión Snake Eater supuso la culminación musical de la saga, con un Harry Gregson-Williams brillante en cada uno de los compases creados para el espectacular videojuego. El autor supo conmocionar con su música a millones de jugadores de todo el mundo, llevando hasta nuestros oídos valores tan complejos de expresar musicalmente como la dureza de los conflictos armados, la soledad en la selva o la melancolía por los difuntos.

Los temas musicales, siempre de corte belicista, nos muestran una de las mayores representaciones orquestales jamás creada para un videojuego. Más de 200 músicos interpretaron cada una de las partituras salidas de la interesantísima imaginación compositora de Gregson-Williams. En 2004, Metal Gear Solid 3 (PlayStation 2) supuso la consolidación en el sector del autor, que ya había mostrado su maestría en Metal Gear Solid 2: Sons of Liberty. Además, ha puesto sonido a muchas películas como las de la trilogía de Shrek, Las Crónicas de Narnia, Antz o La Roca.

Abandonando ligeramente las también deslumbrantes composiciones electrónicas que caracterizaban más a las dos anteriores entregas de Metal Gear Solid, Gregson-Williams supo adaptarse con su música a la nueva jugabilidad que proponía Snake Eater, arriesgando tanto como el juego en innovaciones y consiguiéndose un resultado tan sobresaliente que ahora ha acabado por convertirse en la referencia musical dentro de la saga. La selva, la supervivencia y la década de los 60 estaban claramente presentes en cada nota, instrumento y marca de tempo. Los acordes empleados son lo suficientemente estáticos como para conseguir esos ritmos moderato y marcados que dominan en la mayoría de los temas durante el juego. Eran las imágenes hechas sonido, una experiencia audiovisual perfectamente sincronizada que pocas veces habíamos sentido.

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Las melodías, por su parte, suelen estar muy señaladas por instrumentos de viento, como trombones o flautas, y siempre buscan sólo encajar en los acordes, resultando también muy estáticas a la par que emocionantes, y sin demasiado movimiento independiente, lo que las hace fácilmente distinguibles de otras canciones épicas de otros juegos ya que tienen ese toque personal del autor. La percusión siempre suena de fondo en volumen oscilante, salvo en los temas más dinámicos, que acompañan a las secuencias de acción, los tiroteos o las batallas contra jefes finales. Un ejemplo de estos temas es el central del juego, revisión de la melodía clásica de la saga.

Especialmente recordada por muchos, la canción final de los créditos, Way to Fall, se ha convertido por méritos propios en la sintonía que consiguió uno de los momentos más desgarradores delante de un videojuego. El sublime final de la historia se cierra con una penetrante guitarra acústica que marca los cuatro acordes principales que se sucederán y siete titubeantes notas de piano que anuncian el impresionante tema vocal que está por llegar. La lágrima del protagonista junto a la tumba  fue, y será siempre, compartida por muchísimos jugadores. Además del admirable argumento, la música tiene la mitad de la culpa de todo…

Continuando la serie comenzada en Sega Saturn, Panzer Dragoon Orta poseía otra de esas bandas sonoras que hacen historia tanto por su distinción formal como por su calidad al ser escuchada fuera del marco contextual que proponía su determinado juego. Panzer Dragoon Orta abandonaba en cierta medida la jugabilidad original reafirmándose en un shooter para la primera Xbox ambientado en un fantástico universo plagado de dragones, magia y referencias a los medievos oriental y europeo. Varios artistas fueron los encargados de poner la música a esta ya espectacular puesta en escena. En orden de presencia en las composiciones aparecidas en el título, estos autores son: Yoshitaka Azuma, Saori Kobayashi, Yutaka Minobe, Yayoi Wachi.

A la vez que la cuidadísima y distinta estética medieval, oriental y fantástica dejaba atónito al jugador, la música irrumpía en cada escena, dotando de un protagonismo indiscutible a los temas, llenos de majestuosidad y que enfatizaban los profundos giros de cámara y los planos cercanos a los colosales dragones. Para su técnica formal, en las canciones de su Banda Sonora predominan las incursiones corales, las cuerdas rasgadas de violines y algún que otro violonchelo punteado para conseguir una percusión más melódica, guiada casi siempre mediante timbales y demás instrumentos artesanales y medievales.

Arpas, violines, bombos y demás instrumentos típicos de música épica hacen una magistral aparición de manera equilibrada y ordenada, consiguiéndose un sonido relajante y soberbio pocas veces visto en una Banda Sonora de videojuego, pues los acordes alternados y las melodías refinadas funcionan a la perfección tanto en el juego, como si se disfruta de ellas sin estar presenciando las imágenes. Es un punto de vista de lo épico muy alternativo, menos brutal o potente que al que estamos acostumbrados, más suave. Una caricia para el oído y las emociones.

Uno de las mejores características de esta BSO es que contiene temas remezclados de anteriores Panzer Dragoon. Analizándolos detenidamente, se puede apreciar un posible salto o evolución en el estilo musical, pues el título de Xbox parece presentarse algo más elegantemente que sus predecesores, algo que se aprecia también en la grandiosidad y acabado estético de los impresionantes escenarios, posibles gracias a la indudable mejora tecnológica que presentaba la primera máquina de Microsoft frente a Sega Saturn.

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Como en muchos juegos, uno de los temas más recordados por todos los que vivieron esta fantástica aventura junto a Orta es su ending, o canción de los créditos. Anu Orta Veniya es un cántico a la vida natural y hasta rural, una canción popular adaptada a la grandeza del juego y que entronca perfectamente el momento final del juego con el epílogo que está por llegar. En la vibrante y elegantemente aguda voz de Eri Itoth, Saori Kobayashi supo crear una melodía única, emocionante como pocas y que respetaba la estética y ambientación predominantes en toda la saga desde su creación. Tanto era así, que la pieza se concibió como una evolución de Sona Mi Areru Ec Sancitu, de Panzer Dragoon Saga, siendo, por tanto, un auténtico regalo sonoro para el jugador más experimentado en la serie.

La saga completa Silent Hill ha destacado siempre por su música. Nos quedamos con la cuarta entrega como referencia final de casi 10 años de calidad sonora inigualada en ningún otro título del género. Akira Yamaoka, su compositor, ha sido uno de los principales encargados de hacer brillar con luz propia a esta saga llena de oscuras aventuras y giros dramáticos, que sin su música, no sería hoy considerada como la obra maestra que es.

Junto a composiciones aparentemente amorfas y de una abstracción elevada, Silent Hill nos muestra temas vocales e instrumentales más coherentes musicalmente, de estructura clásica pero con estética propia. Sus acordes, marcados con guitarra u otras cuerdas, son siempre desgarradores, ásperos como los traumas de los protagonistas, llenos de una dolorosa sensibilidad y mostrando algo de ahogo, de nuevo muy en armonía con el juego. Con claras influencias de la música industrial, electrónica o hasta rock, Yamaoka confeccionó un listado de temas sobresaliente, creó una atmósfera de juego única que nunca otro título ha sabido dar.

Para ello, no es de extrañar que el autor incluyera en las letras de los brillantes temas vocales, interpretados en su mayoría por la cantante Mary Elizabeth McGlynn, de la que Yamaoka es seguidor, frases o pasajes referentes a psicologías destrozadas, horror, traumas infantiles, y demás trastornos mostrados en el descomunal argumento. Por tanto, tanto en acordes, melodía, instrumentos y estilo vocal los temas cantados mantienen siempre la estética de la saga, encajan a la perfección en el juego y resultan sorprendentemente brillantes oídos separados del título.

Mención especial merece el tema principal del primer Silent Hill. Como carta de presentación, la genial composición anunciaba ya una banda sonora increíble, capaz de estremecer hasta al más insensible y dispuesta a hacer viajar al terrorífico pueblo a todo aquel que la escuchara con atención mientras disfrutaba del vídeo inicial. Con apertura de bandurrias y algunas otras cuerdas, la grandiosidad de esta arriesgada canción, desechada al principio por los creadores del juego, reside en su melodía y acordes tristes, desolados y con matices de dolor, que alcanzan una expresividad pocas veces escuchada en una banda sonora musical.

Dentro de las recomendaciones incuestionables de Silent Hill 4 deben aparecer los temas Your Rain, Waiting for You o Room of Angel. De Silent Hill 2 es también de obligada escucha True, Theme of Laura o Promise. De Silent Hill 3, You're not here, Hometown, Letters o I want love. En fin, una recopilación enorme e histórica que demuestra la grandiosidad musical de esta saga y consolida a Akira Yamaoka como uno de los mejores y más constantes y atemporales músicos de la historia de los videojuegos.

En un texto como éste no podíamos olvidar a Nintendo y a Super Smash Bros Melee (GameCube), ya que es el que propone la revisión de los principales temas de los juegos de la compañía japonesa, lo que da como resultado una Banda Sonora perfecta, que incluye todo lo que un buen amante de Nintendo debe tener. Las sagas Super Mario, Zelda o Metroid Prime prestan sus canciones más célebres a esta conversión orquestal, que inunda de armonía y hasta clasicismo los oídos de quien quiera disfrutar de ella. Junto a esta revisión de los temas más famosos, encontramos piezas nuevas de una calidad tan impresionante como la de aquellos, formando entre todos una de las Bandas Sonoras de videojuego más recomendables de todos los tiempos.

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De esta forma, se mezclaron en 2001 de manera sensacional nostalgia y lirismo musicales, pues, como decíamos, los temas nuevos creados para el juego son también espectaculares. Desde los de tiempo allegro hasta los más sentimentales pianissimo funcionan a la perfección dentro y fuera del juego. Para los videojugadores amantes de la música clásica Super Smash Bros Melee es una opción indudable, un cúmulo de experiencias suaves y orquestales que aportan versatilidad y calidad, en el sentido más barroco, a partes iguales.

Para empezar, podemos reseñar como el tema principal de esta recopilación histórica la versión de la melodía clásica de Super Mario, que aparece en las batallas del escenario Peach's Castle. Su apariencia ha cambiado por completo pero tras esos acordes modernizados y algo más abstractos se encuentran las mismas mágicas notas de siempre, aquellas que Koji Kondo creó junto a Miyamoto dando lugar a uno de los mayores iconos del mundo de los videojuegos.

Todo en Super Smash Bros Melee suena suave, instrumental y connotando precisión y brillantez. Las melodías nuevas son tan pegadizas como las clásicas, responden fielmente a la imagen divertida y colorista de Nintendo, y coquetean de manera explícita con ritmos jazz, soul o samba consiguiendo esos grandes resultados sonoros que tan buenos momentos ya nos han dado muchas de las piezas de juegos de la empresa. No obstante, entre tanta melodía rítmica y dinámica, encontramos canciones más pausadas, algo épicas en su concepción pero igual de brillantes que el resto.

Puesto que el tratamiento de toda la banda sonora es puramente orquestal y desde un prisma muy moderno, los instrumentos utilizados son absolutamente actuales, sin recurrir a trucos estéticos de lo antiguo o lo artesanal. Baterías, trompetas, pianos, guitarras eléctricas, órganos… todo tiene cabida en esta recopilación de ritmos, pausados y moviditos, y buen gusto. Una Banda Sonora absolutamente sobresaliente, completa y estilizada que no podía faltar en nuestro Volumen 1 del reportaje, y que sólo fue lanzada al mercado en un Directo de la Orquesta de Japón llamado Smashing... Live!, que en estados Unidos se regaló junto a la revista Nintendo Power siendo uno de los números más vendidos de la publicación.

Partiendo de un juego vibrantemente innovador y original, la música de Shadow of the Colossus (PlayStation 2) debía estar a la altura de la joya jugable y estética a la que acompañaría. Se iban a mostrar nuevas sensaciones frente a una consola, se procuraba una aventura grande y colosal, que sin un buen acabado musical no conseguiría, ni por asomo, transmitir lo mismo. Kow Otani, el compositor, tenía la responsabilidad de crear un conjunto musical muy épico e histórico, al igual que el juego, por lo que se le dotó de un cuatioso presupuesto a su disposición con el que el autor pudiera trabajar cómodo y que propiciara que en las canciones participaran decenas de instrumentos.

Roar of the Earth fue el brillante resultado. Así se llamó a finales de 2005 la Banda Sonora de Shadow of the Colossus, que incluso ganó el primer premio de la revista norteamericana Electronic Gaming Monthy, que la destacó por su "solidez estructural y potencia instrumental". Y es que la interpretación de los acordes creados por Otani resultó ser un juego de volúmenes y duración de las notas inmejorable, el majestuoso sonido orquestal y una posterior y minuciosa edición de audio dieron como resultado un conjunto de sensaciones auditivas sublime, absolutamente idóneas tanto para acompañar a la lucha contra los colosos como para escucharlas independientemente del juego.

Uno de los aciertos del título, fue mostrarse siempre silencioso y hacer aparecer la magistral banda sonora musical únicamente durante algunas secuencias de vídeo y en las batallas contra los 16 Colosos. Este curioso enfoque hacía que la música irrumpiera con más fuerza cuando aparecía, dotándose a sí misma de un gran protagonismo por su surgimiento esporádico y su conmensurable calidad. El silencio predominante en el juego, trasladaba al jugador a una soledad natural y plácida, que enlazaba armoniosamente con los momentos más épicos de la aventura, absolutamente inolvidables.

Para la ejecución de semejante espectáculo sonoro, Kow Otani echó mano de arpas, violines, trombones, guitarras, flautas y demás instrumentos orquestales tan utilizados para las melodías fantásticas. Sin embargo, es en la presencia de los imponentes y graves coros donde Roar of the Earth saca lo mejor que varias voces unidas pueden dar. Como si de música gregoriana o renacentista se tratase, enormes e imponentes coros se funden suavemente entre las notas ondulantes de las arpas, guitarras y los violines, dando lugar a una estética que sugiere lo enorme, legendario y titánico, aspectos centrales del juego.

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Por todo ello, Roar of the Earth es absolutamente recomendable para cualquier amante de la música en general y una BSO imprescindible para los que disfruten con la música épica cinematográfica, típica de películas como El Señor de los Anillos o Braveheart. Las composiciones, siempre de estética medieval y fantástica, sugieren lugares, sensaciones y hasta aromas, son un billete de ida para un viaje fabuloso del que sólo se regresará cuando se deje de oírlas…

DreamCast acogía en el 2000 el que sería su juego estrella por excelencia. Shenmue irrumpía en la escena videojueguil del momento con una puesta en escena espectacular y una banda sonora a la altura. Yuzo Koshiro fue el principal responsable del espectáculo sonoro que Shenmue llevó hasta los poseedores de la ya desaparecida consola de Sega. La variedad y las esencias de la música clásica japonesa daban como resultado una enriquecida banda sonora, un producto de desmesurada calidad que rápidamente se convertiría en icono de la música oriental dentro de los videojuegos.

Los instrumentos tradicionales asiáticos, como violines chinos, platillos, gongs, pianos, campanillas, arpas, etc. son los pilares que dan forma a estas melodías típicamente sugerentes a Japón y lo oriental. La ligereza y armonía de los elegantes temas principales dan paso a secuencias musicales más dinámicas y distinguidas. De la misma forma, son constantes los saltos y subidas, lo que llenan de emoción y profundidad a cada una de las refinadas canciones creadas tanto para el juego como para su escucha independiente.

Un halo de misterio y sentimientos baña a cada acorde de la Banda Sonora de Shenmue. A pesar de su estética oriental, no son pocas las referencias a la música occidental como el soul o el chill out, consiguiéndose temas suaves de verdadera comunión con estos ritmos y estructuras sonoras. Por tanto, el trabajo electrónico realizado sobre muchas de las canciones de esta BSO es también muy destacable dentro del panorama sonoro del sector. Hay muchas piezas únicas que mezclan ritmos sintetizados con melodías típicamente orientales, dando lugar a esta maravillosa fusión de la que hablamos.

Shenmue es un juego de acción y exploración en definitiva, y esto también puede apreciarse en su música. Los cambios de una pieza a otra aportan mucha variedad a esta Original Sountrack, lo que hace que nunca nos cansemos de oírla y que resulte apropiada para acompañar cientos de situaciones. Esa versatilidad es quizá otro de los puntos fuertes de esta recopilación de canciones junto a su calidad formal y de contenido. No son pocos los autores que han señalado a la BSO de Shenmue como uno de los estandartes de la fusión de la música tradicional japonesa con la electrónica y sintetizada más actual.

La serenidad y pureza como valores asiáticos queda perenne en cada una de las interesantes canciones, entre las que podemos destacar Shenhua, Dawn o Sadness and Hope. Y otras más distintas y alejadas de lo oriental como Heart Beats, Departure o Dandy Old Man. Por todo lo comentado, se puede decir que Shenmue posee una de las mejores Bandas Sonoras de la historia de los videojuegos, siendo una obra de obligada escucha para todo aficionado al sector y que plantó las bases de un estilo musical en el ocio electrónico inmortalmente impresionante.

De la mano de Disney, la ya desaparecida Squaresoft diseñó un RPG de acción en el que personajes de Final Fantasy y las famosas películas de animación infantil se daban la mano construyendo el pilar dramático de una de las sagas de juegos más populares de la pasada generación. Yoko Shimomura, tradicional en Squaresoft, recibía en el año 2000 la petición de que se encargara de la Banda Sonora del que fue el juego estrella del 2002 para la compañía japonesa y Disney, y un super ventas de la consola de Sony aquel año.

La compositora supo sacar lo mejor de sí misma y, con un estilo muy personal y parecido al de otras obras suyas (como la BSO de Parasite Eve o la de Legend of Mana), rehizo grandes canciones de Disney como el "Esto es Halloween" de Pesadilla antes de Navidad, o el "Bajo el Mar" de La Sirenita. Pero su pericia fue crear el resto de temas nuevos que aparecerían en todo momento en el título, que rara vez queda en silencio musical. Por ello, compuso horas y horas de variadas músicas, canciones que encajaban a la perfección en el escenario o situación del juego en que estuviéramos en cada momento y que escuchadas fuera del contexto jugable eran una indudable delicia armónica.

Temas pegadizos, emocionantes y dinámicos en su concepción melódica y acórdica como el de los mundos Ciudad de Paso o Bastión Hueco serán obras maestras siempre recordadas por los jugadores más acérrimos a la saga. Los estilos de unos y otros temas son radicalmente distintos pues podemos encontrar desde ritmos rock a los más suaves y relajados, a tempo lento y muy medido, jazz o bosanova.

Pero si algún tema destaca de entre todos los demás en la BSO de Kingdom Hearts, es sin duda el espectacular Simple and Clean, interpretado por la carismática cantante japonesa Utada Hikaru (Hikki para sus seguidores japoneses) y con tres versiones a cuál mejor. El tema original es una pieza pop, con guitarra, batería y demás instrumentos típicos de este género musical. Sus expresivos acordes y la extremadamente pegadiza melodía lo han convertido en uno de los más escuchados de videojuegos en los últimos años. Su versión tecno, mostrada en el primer vídeo introductor del juego, sustituye los instrumentos, acelera el tempo y hace más estáticos y menos matizados los acordes, consiguiéndose una canción electrónica de bastante calidad también que respeta y asimila perfectamente la melodía y algunos acordes originales. Por último, está la versión orquestal, en la que se elimina la voz y se deja todo el protagonismo a cuerdas, vientos y percusiones de todo tipo. Ésta es quizá la versión más espectacular y destacable desde un punto de vista más clásico.

Como a lo largo del reportaje hemos señalado alguna vez con otros títulos dentro de una saga, Kingdom Hearts está seleccionado haciendo referencia también a sus posteriores entregas. Kingdom Hearts II y la versión portátil Chain of Memories muestran una BSO de calidad prácticamente similar. El tema Santuary de KH II, repitiendo a la voz Utada Hikaru, resulta tan espectacular y altamente cualificado como ya fuera el Simple and Clean de la primera entrega. Yoko Shimomura siguió a cargo de la música de la saga dándonos otra genial Banda Sonora, pues la versión Chain of Memories para GameBoy Advance se basaba en repetir los temas del primer KH para PS2.

Sí, ya sabemos que muchos esperarían en este reportaje la mención debida a Final Fantasy VII pues la popularidad de esta séptima entrega de la saga hizo que su también genial BSO se difundiera de manera desorbitada por todo el mundo. Pero FFVI (SNES) contenía el que es probablemente el mejor recopilatorio de composiciones de todas las entregas hasta la fecha. El archiconocido e idolatrado Nobuo Uematsu consiguió en este juego (1994) la grandiosidad y calidad más elevadas de su historia como músico para videojuegos con temas llenos de pasión y emoción contenida, haciendo un especial uso del piano y demás teclados musicales.

Cada pueblo, enfrentamiento, personaje o diálogo tenía su música propia lo que da lugar a una recopilación de muchísimos temas diferentes, pasando por decenas de estilos musicales distintos y composiciones de diversa estructura y apariencia sonora. Desde melodías épicas centradas en notas largas (blancas y redondas) llenas de matices y ascensiones, hasta rápidos ritmos de pentagramas oscilantes, cargados de altibajos y frenesí. Para la época en que está contextualizada esta BSO (principio de los 90), estos valores suponían una ruptura o salto cualitativo excepcional, nunca antes visto en la música de un videojuego.

La grandiosidad técnica de esta Banda Sonora se ve incrementada por las sensacionales melodías que acompañan al jugador durante la imperecedera aventura. Nobuo Uematsu lleva al extremo su genialidad en FFVI, pero su periplo por el éxito no se verá nunca truncado ya que consiguió pasar a la historia con célebres joyas musicales que hicieron de la saga el renombre que es hoy, pues su música es uno de los detonantes de la popularidad de la serie entera. La mezcla salió bien a Uematsu, que ha participado en otros proyectos, como Super Mario RPG, sin abandonar su particular estilo propio y convirtiéndose en uno de los más exitosos y reconocidos mundialmente compositores actuales.

No podemos olvidar al hablar de la música de esta histórica saga mencionar los recopilatorios Final Fantasy: The Black Mages. Versionando a rock progresivo multitud de temas de la saga Final Fantasy, la banda japonesa The Balck Mages organiza conciertos por todo el mundo, algunos de ellos junto al propio Uematsu. En los CDs recopilatorios que han salido, se pueden escuchar las mejores y más escpectaculares canciones de sus multitudinarios conciertos. Temas como el mítico One Winged Angel (Final Fantasy VII) o los clásicos de las batallas aparecen en el currículum musical de este potente y también altamente recomendable grupo de rock.

El primer Castlevania de PlayStation es sin duda el más destacable en su apartado sonoro, aunque bien es cierto que en todos hay una calidad musical más que considerable, consiguiéndose en ellos, una estética propia en MIDI que ha caracterizado a la saga desde sus inicios hasta los Castlevania de hoy. Michiru Yamane fue la encargada en 1997 de poner música a esta nueva obra maestra de Konami, respetando la esencia y particularidades sonoras de los trece anteriores Castlevania y asentando las bases de la música electrónica dentro del juego.

Ciñéndose exhaustivamente a los niveles que proponía el juego, Yamane concibió innumerables pistas de audio para toda la aventura, adaptándolas al escenario en que se fueran a emitir. Así, en una catedral sonarían órganos de iglesia, en una cueva fuertes percusiones y violines a ritmo pausado y en las torres de los castillos trompetas y flautas agoreras de la acción que estaba por llegar. Por ello, escuchar más detenidamente las canciones mientras se juega es una experiencia única, es un traslado sensacional a la época y escenario concreto en que se encuentren los personajes.

Pero es que al oír las canciones fuera del contexto draculiano propuesto por el juego, la altísima calidad sigue muy vigente. Los ritmos acelerados y con melodías siniestras o de misterio y desesperación fusionan de manera magistral la música electrónica con multitud de escalas orquestales y acertadas intervenciones esporádicas de los numerosos y distintos instrumentos. Las típicas secuencias musicales de terror o abominación funcionan mejor que nunca sobre un ritmo de tempo aceleradísimo y repetitivo.

Su Banda Sonora tuvo un éxito tal que, tras la salida del juego, no tardó en aparecer en Japón un recopilatorio llamado Nocturne in Midnight que recogía casi todos los temas del juego, incluído el I am the Wind, tema vocal mostrado en los créditos tras el "Adiós Alucard" de María, y que es considerado por muchos como la obra musical cumbre de Symphony of the Night y una de las mejores canciones de la saga. Interpretada por Kahori Yamane, la pieza acompaña a la cantante con piano y saxofón dejándonos una melodía triste que emocionó a miles de jugadores tras el rompedor final de la aventura.

En consecuencia, la banda sonora musical de Castlevania Symphony of the Night se ha convertido en un mito dentro de la historia de los videojuegos. La inigualable labor de Michiru Yamane puso de manifiesto hasta dónde se podía llegar en la música de la saga Castlevania, cuáles eran los planteamientos a seguir y cómo mezclar de manera extremadamente superflua las concepciones artísticas de la electrónica extrema y las sinfonías de lo siniestro y tradicionalmente terrorífico.

Y otro de Squaresoft... Cuando Hitoshi Sakimoto recibió en 1998 la propuesta por parte de la empresa de encargarse de la BSO de Vagrant Story (PlayStation), el compositor no dudó en aceptar tal honor tras presenciar unas pocas imágenes del juego, que acabó siendo una verdadera obra maestra, de nuevo, en gran parte gracias a su música. La aventura de Ashley Riot, narrada desde las directrices del RPG clásico, estuvo siempre acompañada por música de alta calidad, muy profunda en su composición y lo suficientemente entrañable como para que hoy podamos seguir considerándola una obra magistral y de muy agradable apariencia técnica.

Las mágicas ciudades, fortalezas y castillos que podíamos recorrer bajo una trama que nos hablaba del ajetreo político e histórico de un mundo fantástico, quedan plasmadas en cada nota de los temas creados por Sakimoto. Haciendo uso de las más innovadoras técnicas con el MIDI y los sintetizadores, el artista japonés consiguió trasladar al jugador hasta los muros de piedra y la crueldad de los acontecimientos de este mundo paralelo inspirado en la Edad Media europea.

Cientos de instrumentos antiguos y diversos coros de descendencia gótica o románica confeccionan cada una de las piezas musicales de la BSO de Vagrant Story. La imponencia de las melodías de corte épico y medieval se amolda perfectamente a unos acordes de peso y bien encajados en cada momento de las canciones, que a su vez responden fielmente a lo que se cabría esperar de ellas en cada escena del juego. Ritmos rápidos y fuertemente percusionados en los momentos de más acción o giros de la historia, músicas suaves y melódicamente estáticas en los momentos de soledad de los personajes o en pasajes de la historia más relajados, etc.

Resulta especialmente interesante y reseñable de esta genial BSO el uso que se hace de las percusiones e instrumentos de viento por un lado, y las arpas y los coros por otro. Con la percusión, casi siempre muy marcada en todas las canciones rápidas, se varían mucho los ritmos consiguiendo unas bases realmente diáfanas y precisas a la vez que cambiantes y muy curiosas, apoyadas en trompetas y trombones que ensalzan la melodía interpretada por pianos o guitarra. El arpa y las imponentes voces de las corales, graves y agudas, son la esencia de los temas melódicos, más lentos y sugerentes, que abundan en la BSO del título trasladando de manera increíble al oyente a mundos mágicos y de ambientación similar a la mostrada en el juego.

La magia de Vagrant Story está, por tanto, presente en cada canción, con agudas notas de violín, triángulos o campanas que la connotan. Además, esta recurrente magia ha seguido presente en otras bandas sonoras musicales de títulos posteriores, como en Final Fantasy XII (PlayStation 2), juego que bebe en gran medida de la estética creada por Vagrant Story, incluso en su Banda Sonora.

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En fin, montones de temas inolvidables, composiciones históricas, sintonías míticas… Pero claro, esto es sólo el principio, aún echamos de menos grandes obras de todos los tiempos, melodías inolvidables que también podrían haber aparecido en este Volumen 1 y cuyo merecimiento de estar presentes nos es indudable.

También se le ha echado en falta...

Aquí dejamos, entre muchos otros, a Zelda: Ocarina of Time, God of War, Halo 3, Medal of Honor Frontline, Heavenly Sword, Super Mario Galaxy, ICO, Nights, Call of Duty 2, Splinter Cell, Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo, Metroid Prime, Xenosaga, The King of Fighters, Parasite Eve, Grandia 2, Street Fighter 2, Oblivion, Tomb Raider 2, Assassin's Creed, etc. A éstos hay que sumar las grandes melodías antiguas como la de Tetris, los primeros Super Mario y Sonic, Megaman, Contra o Bubble Bobble.

Como conclusiones interpretativas, podemos observar que 3 de los 10 juegos citados han sido desarrollados por Squaresoft, otros 3 por Konami, lo que deja muy a la vista el mimo que ponen las empresas japonesas en las bandas sonoras de sus juegos. Por otra parte, las 2 primeras consolas de Sony acaparan más de la mitad de la lista, pues 6 de los 10 juegos mencionados son de PlayStation y PlayStation 2. También, se puede concluir que el RPG y la aventura son los géneros donde mejores bandas sonoras podemos encontrar.

Con todo, desde MeriStation esperamos haberos sugerido ideas musicales para regalar o "pedirse" en estas fechas de tanta generosidad y consumo obligado. La música de los videojuegos es ya parte de nosotros, llevamos escuchándola desde nuestras primeras partidas y hemos pasado junto a ella cientos de horas. Por suerte, siempre ha sido una buena acompañante en nuestras aventuras a los mandos de todo tipo de personajes y, en esta nueva generación, seguirá dejándonos obras de alucinante calidad, ya lo veréis… y oiréis.

Se cierra la textura de telón rojo, se recogen los enormes pentagramas y se despiden los píxeles a los que representan. La música mostrada quedará guardada para siempre en las memorias de los asistentes. Grandes obras, sonidos históricos, composiciones que pueden sacarse de los videojuegos y competir relajadamente contra las canciones más importantes del mundo. En los próximos volúmenes seguiremos el complejo repaso por el mejor sonido de nuestra afición favorita. Hasta entonces, ¡feliz Navidad y próspero disfrute musical!