Patricia Yurena, finalista en Miss Universo 2013: “Vivía de espaldas a mis expectativas”
La canaria recogió la semana pasada el galardón Mujer en Acción durante la II edición de los Premios Azul Zero en Los Jameos del Agua (Lanzarote).
Hace una semana, el pasado 14 de noviembre, Patricia Yurena, quien fuera Miss España en 2008 y la segunda mujer más guapa del mundo en Miss Universo 2013, recogía en su tierra, Canarias, el galardón Mujer en Acción en la II edición de los Premios Azul Zero en Los Jameos del Agua (Lanzarote), unas distinciones que reconocen el respeto por la Tierra en la actividad profesional.
Un aspecto que ha cambiado mucho en la vida de aquella joven a la que conocimos como modelo y que hoy se ha reinventado. En los últimos años, Patricia Yurena ha dado un giro a su carrera para convertirse en pintora y artista comprometida con la sostenibilidad.
Su primera exposición, Azul: el mar y la mujer en perspectiva, presentada en el Museo Internacional de Arte Contemporáneo de Lanzarote, fue todo un éxito. En AS charlamos con ella para conocer qué le ha llevado a hacer este cambio radical.
Su trayectoria pública comenzó en un mundo muy distinto al del arte. ¿Qué desencadenó su decisión de dejar atrás esa etapa y dedicarse a la pintura?
Empecé a trabajar como modelo con diecisiete años. Dejé las Islas Canarias para instalarme en Madrid y trabajar a nivel internacional. Con el tiempo sentí que vivía de espaldas a mis propias expectativas. Desde niña había sentido curiosidad por el mundo artístico y, aunque me formé en Madrid en distintas disciplinas, necesitaba detener el ritmo frenético que implica ser modelo para escucharme de verdad. Cuando por fin hice una pausa y pude mirar hacia dentro, comprendí que mi camino estaba en el arte y en desarrollar mi voz como artista y como persona, sin cumplir expectativas ajenas. Esa claridad fue la que me llevó a dedicarme por completo a la pintura.
¿Hubo un momento concreto en el que sintió que necesitaba expresarse de otra manera, o fue un proceso gradual?
Ha sido un proceso gradual. Siempre he sentido curiosidad por distintas disciplinas y esa inquietud forma parte de mi manera de estar en el mundo. No descarto seguir formándome ni explorar otros estudios, porque creo en la evolución constante. Mi reinvención no ocurrió de un día para otro; ha sido un camino progresivo y, de hecho, considero que sigo dentro de ese proceso.
Su primera exposición, Azul: el mar y la mujer en perspectiva, tuvo una acogida muy positiva. ¿Qué significó para usted presentarla en el Museo Internacional de Arte Contemporáneo de Lanzarote?
El museo resonaba conmigo y con mi obra. Tuve la fortuna de recibir un apoyo muy sólido, tanto hacia mi trabajo como hacia mi trayectoria personal. Para mí era esencial que mi primera exposición se presentara en territorio canario; lo sentí como un gesto de origen. Poder hacerlo en el Museo Internacional de Arte Contemporáneo de Lanzarote fue una verdadera bendición.
¿Cómo nació la idea de centrar la exposición en la relación entre el mar y la figura femenina?
La idea nació de mis dos grandes fuentes de inspiración: el mar y la figura femenina. Encuentro una fuerza extraordinaria en la anatomía de la mujer, en su capacidad simbólica, en cómo encarna fragilidad y poder al mismo tiempo. Y veo una relación directa entre ese imaginario y el agua, que entiendo como origen, refugio y territorio de transformación. El océano, con su propio lenguaje de corrientes y texturas, me ofrece un universo visual infinito; la mujer, un terreno emocional y simbólico en el que me gusta profundizar.
En esta exposición quise explorar esa simbiosis entre lo femenino y lo marino, un diálogo entre ambos. Cada trazo y cada color responden a sensaciones internas, a fragmentos de mi historia o a historias que me gustaría experimentar. Para mí, pintar esta serie fue investigar no solo un tema, sino un vínculo entre la mujer —con su origen y su fuerza— y la inmensidad del mar.
¿Qué papel juega Lanzarote —su paisaje, su luz, su entorno— en su proceso creativo?
Lanzarote es una obra de arte en sí misma. Su magnetismo, la contundencia de su paisaje volcánico y la manera en que su luz configura un entorno tan inspirador me impactan profundamente. Cada rincón despierta la imaginación y también recuerda nuestra pequeñez frente a la grandeza de la naturaleza. Ese contraste influye de manera directa en mi forma de crear. Conectar con parajes tan radicales y hermosos me convierte en mejor artista: obliga a mirar con más atención. La isla no solo inspira, me coloca en un estado de sensibilidad que alimenta y expande todo mi proceso creativo.
La sostenibilidad se ha convertido en un eje de su trabajo. ¿Cómo conecta sus obras con ese compromiso?
Creo que la sostenibilidad también reside en la manera de estar en el mundo. No pienso que el ser humano sea sostenible por naturaleza, pero sí que puede serlo cuando actúa desde la conciencia y la responsabilidad. En mi caso, esa mirada se refleja en cómo trabajo y en lo que elijo representar. Utilizo técnicas diversas, desde procedimientos tradicionales hasta herramientas digitales, lo que me permite optimizar recursos, reducir residuos y explorar nuevos lenguajes visuales sin renunciar a la esencia pictórica. Más allá del método, intento que mi obra hable por sí misma: la manera en que represento la naturaleza, los cuerpos, los ecosistemas marinos, la fragilidad y la resistencia del entorno.
Cuando piensa en el futuro, ¿qué le gustaría que el público sintiera o reflexionara al ver sus obras?
Mi compromiso está en crear imágenes que inviten a reflexionar sobre nuestro vínculo con la Tierra sin necesidad de subrayarlo con palabras. Creo en un arte que emocione primero y, desde esa emoción, genere conciencia. Si mi trabajo logra activar esa sensibilidad, ya es un pequeño gesto de cuidado hacia lo más valioso que tenemos: la naturaleza.
¿Qué artistas, movimientos o referentes han influido más en esta nueva etapa como creadora?
Mis referentes son diversos y reflejan la dualidad que también existe en mi obra. Por un lado, la fascinación por la luz y la emoción pictórica; por otro, la búsqueda de lenguajes que cuestionen y construyan una mirada ética sobre el mundo. Sorolla es una influencia evidente: su manera de capturar la luz y convertir el agua en un personaje vivo me marcó profundamente. No es solo técnica, es sensibilidad. Al mismo tiempo, conecto con movimientos vanguardistas y contemporáneos que exploran el cuerpo y el territorio, porque me permiten entender el arte como un gesto de libertad.
Por encima de cualquier estilo, me inspiran creadores que trabajan desde el respeto: hacia la naturaleza, hacia el cuerpo, hacia el entorno y hacia la práctica artística. En esta etapa, mis influencias dialogan entre sí: la luz de Sorolla, la libertad de la vanguardia y una conciencia que entiende el arte como un acto de cuidado.
¿Qué le ha sorprendido de usted misma en este camino hacia el arte?
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La mayor sorpresa ha sido descubrir la profundidad con la que puedo contar mi historia. Me ha asombrado mi propia capacidad, la paciencia que desconocía y el amor inmenso que siento por la vida. El arte me ha llevado a la calma después de una existencia acelerada. Me recuerda quién soy.
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