Las Mejores Bandas Sonoras de los Videojuegos en 2017
Hacemos un amplio recorrido por las mejores bandas sonoras de los videojuegos que hemos podido disfrutar a lo largo de 2017.
Si algo ha caracterizado a este 2017 ha sido la cantidad ingente de grandes títulos que han salido a lo largo del año. Hemos reído, hemos llorado, hemos querido y hemos odiado. Sin embargo, toda nuestra travesía a lo largo de estos 365 días ha sido acompañada de diversas piezas, temas o canciones que han añadido un valor, mayor o menor, a esta forma de arte que tan buenos resultados ha obtenido este año. Como es costumbre, os traemos una selección con las que creemos que son las mejores bandas sonoras de 2017. Así que, sin más dilación, música Maestro.
Hollow Knight salió a comienzos de año para PC. Su estética y diseño así como su jugabilidad encandiló a muchas personas, y la crítica lo acompañó. Sin embargo, otro de los grandes pilares de Hollow Knight es la música, que corre a cargo de Christopher Larkin. Larkin es un compositor que ya había trabajado antes en títulos como PAC-MAN 256 y Expand. Nada en comparación a la tarea de componer la banda sonora de Hollow Knight, en la que estuvo trabajando durante tres años.
Mimetizándose de manera perfecta con la sensación que evoca el juego, la música utiliza motivos luminosos y tintes melódicos que se añaden de manera sutil a ciertas escenas, entornos o personajes con especial relevancia en el desarrollo del juego. A través de ellos, podremos ver el predominio de ciertos instrumentos o melodías que se relacionarán íntegramente con los elementos que veremos en la pantalla del juego. La mayoría de sus temas son instrumentales, con especial peso del piano y la viola en la mayoría de las piezas. Sin embargo,también lleva consigo grandes obras con la incursión de voz,como City of Tears. Una banda sonora que nos sumerge en un cuento oscuro con una gran historia.
La música en Persona 5 brilla con una luz especial granjeada por lo bien que lo ha hecho Atlus con este juego. Variedad, originalidad y muchísima personalidad es lo que aportan las más de 100 canciones con las que cuenta la banda sonora del título. Shoji Meguro es el compositor principal de la obra junto con Toshiki Konishi, Kenichi Tsuchiya, Atsushi Kitajeh y Ryota Koduka. Partes indispensables de un todo capitaneado por Meguro, que ya trabajó en la mayoría de títulos de la franquicia Shin Megami Tensei.
Como bien nos tiene acostumbrados, el acid jazz es el principal protagonista en la BSO. Los ritmos clásicos del funk y el jazz-fusion implementados a los teclados y la electrónica dotan al juego de un rasgo muy característico en la saga Persona y refleja la parte satírica de la obra en muchas de sus circunstancias. También toman especial relevancia los toques de géneros como el Hard Rock en zonas concretas del juego y en los combates contra enemigos específicos, que le añaden el toque exigente de la pelea. Una banda sonora del todo para todos que nos enamoró desde el minuto 1.
Qué decir de un juego que lleva la letra de su tema principal dentro de su caja… Super Mario Oddysey tiene una banda sonora espectacular. Su visible intención de cambio desprende frescura a la par que se homenajea a sí mismo. Un binomio perfectamente captado en su banda sonora, que nos ha hecho sonreír y recordar. Naoto Kubo es uno de los principales portadores de esta nueva bandera con una “M” y dos ojos. Compositor del tema principal “Jump Up, Superstar” (canción que contó con las voces de Kate Higgins en la versión inglesa y Aimi Mukohara en la japonesa), Kubo reflejó en su banda sonora esta “celebración” a base de instrumentos de viento, bombos y platillos. Una fiesta en la que no falta la esencia del “ex-fontanero”, que a través de justificados cambios, a veces alude a un tiempo pasado con menor resolución y texturas. La nostalgia juega una especial baza en esta banda sonora que encandila tanto a mayores como a pequeños y que hará que nos vayamos a la cama tarareando esa pegadiza canción que desprende optimismo...
Pese a que no haya tenido tanta repercusión como otros títulos que nos podemos encontrar en la lista, Ruiner ha sido uno de los Sleepers del año. Su jugabilidad y diseño nos recuerdan a una versión futurista de Hotline Miami y algo parecido se podría decir de su banda sonora. La gran mayoría de los temas están compuestos por Sidewalks & Skeletons y Zamilska; nombres conocidos dentro de sus respectivos géneros de electrónica que otorgan al juego ciertas reminiscencias del Synthwave/ VaporWave con bases de la música electrónica alternativa actual. Una fusión que se une a la perfección con lo que quiere mostrar el juego: muerte, oscuridad, locura y neón. Con Ruiner, parecerá que una versión perturbada de Vangelis vuelve para proporcionar grandes dosis de violencia.
Bungie siempre ha tratado sus bandas sonoras con mucho cuidado y con Destiny 2 no iban a hacer lo contrario. No se le pueden reprochar la calidad y la delicadeza con la que han adaptado el inmenso espacio que puede representar el juego. Una banda sonora pausada, reflexiva y ambiental que acompañan la vasta belleza de los mundos y galaxias en las que nos encontramos. Michael Salvatori es el encargado de la OST para esta nueva entrega de Bungie y Activision.
Esta vez sin la participación de Marty Odonell, responsable principal de la banda sonora de su título previo e icónico escultor de la música de Halo; Salvatori también conoce la fórmula de la música en las obras de Bungie, y en esta nueva entrega ha sabido mantener esa increíble lucidez con la que la empresa impregna la mayoría de sus obras. Grandes temas dignos de superproducciones de Hollywood que se apoya en la música ambiental y el uso de tenuto en muchas de sus notas, manteniéndolas a lo largo de las diversas piezas que componen la obra. Una lástima que no haya vuelto McCartney…
No somos pecadores como Cuphead y Mugman; y por ello, Cuphead tenía que estar sí o sí en esta selección. Lo que han hecho Jared Moldenhauer y Studio MDHR ha sido increíble de por sí, y a todo ese compendio de dibujos de los años 30 y violencia le añaden una banda sonora excepcional. Kristofer Maddigan es el director de esta big band que toca swing en honor al juego, el azar, la avaricia y la gula de estas inocentes tacitas. Sirviéndose de la estética del juego, el equipo quería una música acorde al título, que se adaptara tanto a su estilo vintage como al amplio catálogo de jefes con el que cuenta Cuphead. Un trabajo complicado que Maddigan ejecutó a la perfección; aunque no es de extrañar; porque Kristoffer Maddigan es miembro de la Orquesta Sinfónica de Canadá (entre otros muchos grupos), y es conocido dentro del mundo del jazz como un excelente percusionista. Un gran producto final que recopila más de 50 canciones originales, cada una de ellas integrada a una batalla, una cinemática, un stage o una pantalla de tránsito. Banda sonora fresca y original que evoca algo “inocente” y antiguo. Tanto ha gustado el efecto Cuphead en la gente (testigos son sus ventas), que la tienda PlayAsia hace poco sacó a la venta unos vinilos que recopilan toda la banda sonora del juego, con un diseño acorde a la obra indie del momento.
Guerrilla Games ha dado el Do de pecho con Horizon Zero Dawn, que ha traído a una protagonista poderosa, una vasto futuro postapocalíptico, un argumento interesante y un apartado visual espectacular. Todo ello son rasgos generales de un mundo gobernado por las tribus, las máquinas y la belleza natural; pilares fundamentales que sirvieron de base para la banda sonora de este vasto juego. Así lo aseguró Lucas van Tol, supervisor de la musica de Guerrilla, en una entrevista que publicó el Blog Oficial de Playstation hace unos meses. Bajo esa base, Niels Van der Leest, Joris de Man y The Flight, comenzaron a desarrollar la idea de crear algo futurista la par que arcaico, y definitivamente lo consiguieron. Testigo de ello son las 80 canciones que conforman la banda sonora del juego, que gracias a la perfecta simbiosis con Aloy y su mundo, nos hace evadirnos de la realidad para aventurarnos en amplios valles de vegetación. Un respiro lleno de naturaleza con aires salvajes y tribales.
What Remains of Edith Finch es una experiencia narrativa inolvidable. Sus pasajes, su historia y el magnífico desarrollo de los acontecimientos nos llevan por la vida de una familia muy concreta. Con el desarrollo de la historia y el recorrido por la aventura; la música irá fluyendo como las palabras o el viento, cobrando una especial importancia en la consecución de los hechos. A veces casi imperceptible, otras veces estruendosa y disruptiva. Una música que formará parte de la interesante narrativa de este juego, que ha tenido una gran recepción en la mayoría de ámbitos.
Jeff Russo es el encargado de contar esta historia a través de la banda sonora del título. Como es de esperar por el resultado final, Russo tiene una amplia carrera como compositor y ha trabajado en series como Fargo o Legión. Entre estas cosas también ha sido el compositor en ámbito cinematográfico, algo más acercado al estilo de What Remains of Edith Finch. Según cuenta en una entrevista con la revista FactMag, lo que le llamó la atención del juego era su lenta narrativa que invitaba a la reflexión. Una aventura emotiva e intensa con tintes oscuros que aumentan en sobremedida la experiencia del juego, como si de una segunda lectura se tratara. Una banda sonora que podemos tratar como la calma que precede a una tormenta específica, la tormenta de los Finch.
NieR: Autómata se ha coronado como uno de los mejores juegos de 2017. Sus méritos ha tenido con el trabajo que Platinum Games y Square Enix se han echado a la espalda. La historia, su sistema de combate y la rejugabilidad añadida a un basto mundo por explorar han sido motivos de peso para que NieR: Autómata se coloque como uno de los preferidos del año por muchos usuarios. Un todo que se refuerza con una banda sonora de grandes proporciones, que a través de su épica y su belleza, nos encauza a cada segundo que pasa. La encomiable tarea de realizar esta OST que se ha llevado el premio a Mejor Banda Sonora en The Game Awards fue obra de Keiichi Okabe, que lleva trabajando en la industria de la composición musical en los videojuegos desde 1992.
Okabe ya tenía ciertas premisas de lo que tenía que hacer con NieR: Autómata; puesto que también trabajó en la BSO de su predecesor, causando con su resultado unas reacciones muy positivas en crítica y usuarios. El sentimiento y la emotividad que nos transmite a través de los crescendos, así como la incursión coral en diversas piezas, la variedad de instrumentos o las melodías y recursos utilizados para cada tema, muestran la complejidad de la banda sonora que cuenta con 80 temas originales. Un trabajo complicado con una perfecta ejecución que lleva a otro nivel el valor de la música en un videojuego.
THE LEGEND OF ZELDA: BREATH OF THE WILD
El título del juego podría definir a la perfección el sentimiento que transmite la banda sonora de Breath of The Wild. Esta obra magna del año de Nintendo ha roto con muchos de los cánones característicos de la saga y ha supuesto un verdadero éxito para la compañía nipona. Su historia, jugabilidad, ambientación y su vasto terreno ha hecho de The Legend of Zelda: Breath of The Wild un clásico moderno. Un juego que no podía ser menos en el apartado sonoro, que recoge el bello mundo de Hyrule en una preciosa aventura tanto para nuestro corazón como para nuestros oídos.
Sabemos lo importante que es la música dentro de la saga The Legend of Zelda. Testigos de ello son títulos como Ocarina of Time, Majora’s Mask o Wind Waker, donde la música tiene un papel protagonista para el desarrollo de la historia. Con la música de Breath of The Wild, al igual que con el juego, encontraremos pequeños ecos de lo que antaño fue Hyrule, que se encuentra desolada y corrompida por el mal. Pequeños puntos y notas carentes de sentido por sí mismas que unidas adquieren un valor. Una banda sonora que también se verá contagiada con la épica y el preciosismo que componen el juego. De todo hay en las más de 200 piezas (sí incluimos los temas de los DLC’s) que conforman la banda sonora en The Legend Of Zelda: Breath of the Wild.
En esta ocasión, es Manaka Kataoka la encargada principal de la BSO, que ya trabajó con la saga en Spirit Tracks y que con el excelente trabajo que ha realizado en la nueva entrega, seguramente volvamos a ver. Su capacidad de transmitir a través de las piezas los valores principales del título refleja un especial cuidado a la hora de componer los diferentes temas que comprenden la obra. Una obra que se fundamenta de la épica, el valor y el coraje de nuestro protagonista y que se adapta al territorio en el que nos encontremos. En esta banda sonora, también adquieren especial fuerza los instrumentos clásicos orientales como el shakuhachi, el shamisen o el koto, que le aportan un toque “Ghibli” en algunos momentos de la aventura. Una banda sonora a la altura para un juego que se ha convertido por méritos propios en leyenda.
Otro gran trabajo sonoro de Nintendo es el de Xenoblade Chronicles 2, donde han mostrado toda la belleza y enormidad de su mundo en una compleja y reflexiva banda sonora. Y es que el especial énfasis y amor que reciben estas piezas reflejan un poco el sentimiento de su compositor Yasunori Mitsuda con el juego; el cual ha afirmado en varias declaraciones que su música le ha hecho llorar de la emoción. Fruto de las horas de trabajo de Mittsuda con el coro Bratislava Symphony y el coro irlandés Anúna ha sido esta maravillosa BSO conformada por más de 50 temas. De todo cabe en esta composición donde contamos con temas instrumentales, piezas corales y un sin fín de elaboradas piezas con las que disfrutar más allá del propio juego. El misticismo y el exotismo toman un especial peso en las melodías de la obra, acordes al diseño del juego. También cabe destacar (como ya vimos en la banda sonora de Persona 5) que hace uso del Hard Rock en algunos momentos determinados del juego.
Sonic Mania era el Sonic que Sonic merecía. Un juego que respeta la esencia del Erizo y la mejora con un acabado final espectacular. Uno de los principales culpables de que Sonic Mania haya sido una completa oda a lo retro es la banda sonora, que al igual que el título, ha sabido derrochar frescura, optimismo y simpatía a partes iguales. El responsable de esta gran banda sonora es Tiago “Tee” Lopes, compositor que trabaja con PadogaWest Games (una de las empresas encargadas de que este Sonic haya salido a la luz) conocido por hacer remixes con canciones de videojuegos en su canal de Youtube. Nada mejor que dar a un fan una obra, para que a través de su talento y sus composiciones transmita el cariño que la comunidad siente por el erizo de Sega. Una fusión entre lo antiguo y lo nuevo que recorren las más de 40 canciones con las que el juego cuenta, recogidas también en una edición vinilo del disco. Por sí la figura de Sonic no fuera suficiente…
Tanto la música como el juego de Hellblade: Senua’s Sacrifice nos tienen alucinados. La manera en la que el juego trata la psicosis del personaje principal, la narrativa, el desarrollo perturbador de su historia y su ambientación. Todo destaca en esta nueva obra de Ninja Theory, que ha sabido desmarcarse del estilo de otros títulos para adentrarse en un mundo más maduro, tribal y oscuro. A todo ello le acompaña la banda sonora, excepcional en todos los aspectos. A modo de antiguos cantos del norte de Europa, la música tiene un elemento importante en el juego, que basa parte de su ambientación e historia en antiguas tribus y mitos celtas. Para ello contaron con Andy LaPlegua, componente del grupo Icon Of Coil, que buscó transmitir una historia a través de la propia música, aportando un contexto diferente a la obra; el de la propia banda sonora. Con esos tonos graves y esos ritmos arcaicos, la música capta la psique perturbada de Senua como regalo para amenizar nuestro viaje al mismo infierno.
Pyre ha sido otro gran indie a tener en cuenta este año. No iba a ser menos con lo bien acostumbrados que nos tiene Supergiant Games. Tras Bastion y Transistor, llega Pyre con una interesante propuesta de jugabilidad y una historia emotiva. Al igual que su narrativa, la banda sonora se compone por sí sola. Y es que a modo de juglares modernos, el uso de la guitarra acústica y las melodías que componen tanto voces como instrumentos nos hacen pensar en cantos y gestas; sin embargo, a todo esto le añaden un toque coral y unos efectos en los instrumentos de cuerda que nos recuerdan a la música folk inglesa o americana. Una fusión de géneros que nos cuenta una historia creada por Darren Korb. Korb ya había trabajado con SuperGiants en Bastion y Transistor. Tras sus grandes resultados, el compositor continuó su legado con Pyre, donde transmitió la esencia y la imagen del juego a un cantar rústico y cálido. Una obra sobresaliente en todos los sentidos.
Otra obra que tenemos que destacar por su originalidad es la de Splatoon 2, que ha sabido diferenciarse de su anterior título y ha desprendido frescura sonora a la obra. Canciones divertidas, melodías pegadizas y sonidos originales que destacan en esta banda sonora arrolladora. Esta mezcla de componentes electrónicos, rock, voces y ritmos nos reflejan una mezcla de géneros muy variados con un resultado increíblemente efectivo ejecutado de manera perfecta por Wet Floor. Toda esta música variará según el modo en el que nos encontremos e irá en concordancia con la ambientación del stage que nos encontremos. Una banda sonora variada que mantiene esa esencia burlona, divertida y loca que representa a Splatoon 2.
Un año lleno de grandes títulos que han traído consigo un extracto sonoro de su esencia, para que nos evadamos con ella al maravilloso mundo que nos han dejado todos estos grandes títulos.
- Acción
- Plataformas
Hollow Knight, desarrollado por Team Cherry para PC, Nintendo Switch, PlayStation 4 y Xbox One, es un plataformas de acción en 2D ambientado en un oscuro mundo de insectos y en el que deberemos enfrentarnos a 130 tipos de enemigos diferentes e incluso auténticos jefes finales de nivel gracias a nuestros extraños poderes.
