Momentos Memorables Vol. 1

Advertencia: Este reportaje contiene escenas y descripciones que revelarán datos extremadamente relevantes del hilo argumental de diversos videojuegos. Muchos de ellos serán conocidos por vosotros, otros completamente ajenos a vuestro caminar como jugadores. Sin embargo, todos deben ser vistos, como mínimo, una vez en la vida de todo jugador.

Sufrir, llorar, compadecerse o disfrutar son sentimientos propios del ser humano, propios de la persona, que sólo florecen en momentos clave de nuestra vida. Tragedias personales, instantes de alegría y demás situaciones que surgen, casi sin previo aviso, desatando y atacando nuestra fibra sensible. Estos sentimientos realistas pueden extrapolarse a la ficción, pues medios como el cine, la literatura o la música también sirven, y de qué manera, para provocar sensaciones y reacciones inimaginables en la persona.

Sin embargo, ¿quién no ha sentido, con el corazón en la mano, más de una sensación jugando a videojuegos? Emociones a flor de piel cuando sucede un hecho concreto en el hilo argumental de alguno de nuestros títulos favoritos. No cabe duda de que los creativos del ocio electrónico, pero especialmente los maestros más aventajados, apelan cada vez más a las sensaciones, como si penetrar en el corazón del jugador fuera un ritual indiscutible e insalvable para pasar a la posteridad. Y lo es.

No es casualidad que los mejores videojuegos de la historia, valorados por esta revista y otros medios del sector, queridos por este redactor y amados por vosotros, lectores, despierten, como poco, sensaciones de sosiego, irá encarnizada hacía el antagonista de turno o desaten leves y hasta ahogadas lágrimas, por qué no reconocerlo, en los corazones más cerrados. Y es que en estas últimas generaciones, en las que el ocio electrónico ha bebido directamente de las técnicas cinematográficas, hemos vistos cómo ha aumentado el grado de profundidad de los títulos.

A sabiendas de que la Navidad es época de paz, amor y reuniones familiares, donde los nervios y las emociones están a flor de piel, queremos ofreceros en este último día del año 2007 la primera entrega de esta serie de reportajes titulada "Momentos Memorables". Buscaremos en nuestro repertorio de emociones digitales personales, analizaremos con lupa vuestros comentarios en el Quid de la Cuestión y expondremos cuáles son los instantes, segundos en ocasiones, que han provocado el mayor número de emociones en la comunidad de jugadores durante estos últimos años. Haz memoria y prepárate para recordar una muestra representativa de aquellos maravillosos momentos digitales que marcaron tu vida.

Tras recorrer Egipto tratando de resolver los enigmas que rodean al dios Seth y provocar su involuntaria liberación, la arqueóloga huye a la desesperada de la pirámide que alberga al maligno. Al llegar a la sinuosa salida, una Lara desnutrida, dolorida y herida vislumbra a un Werner Von Croy, mentor de la aristócrata negada, que le insta a apresurar el ritmo. De repente, cuando todo parece acabado, el suelo comienza a temblar, la pirámide de desmorona y Lara, en un último intento por sobrevivir, se alegra de volver a ver a su padre académico antes de caer al vacío. Von Croy se retira el sombrero de explorador en señal de luto. Lara Croft ha muerto. 

Pero la fémina más conocida del mundo del videojuego no podía morir, al menos no de esa forma. Así que Eidos, incluso con Lara teóricamente enterrada, lanzó Tomb Raider Chronicles, donde se narraron aventuras pasadas de la heroína y donde también se resucitó a la arqueóloga, concluyendo con la muerte falsa más sonada de la historia de los videojuegos.

Ya sea por el salto a las tres dimensiones que dio Super Mario 64 o por la maestría de Shigeru Miyamoto, el juego de plataformas y aventuras de la consola de Nintendo que compitió con Playstation se ganó a pulso la consideración de obra maestra. Llegar a ese jardín repleto de vegetación tridimensional, observar al mirón de Lakitu con su cámara y correr hacia la puerta principal del castillo sólo da que pensar una idea, "¡Dónde me he metido!", algo que se masificará más si cabe al cruzar el portón y descubrir la infinidad de puertas, retos, personajes, niveles, minijuegos y virtudes de este primer juego de Mario en tres dimensiones.

A pesar de la indiscutible calidad de Super Mario Galaxy, este Super Mario 64 continúa siendo uno de los favoritos del público. Será por la magia que desprenden cada una de sus estrellas, por la variedad de sus escenarios, por su banda sonora o por momentos como éste que, como viene siendo habitual, sirven para demostrar quién tiene una de las llaves para abrir la puerta que da paso a la creatividad.

Sin miedo a equivocarnos, Shadow of the Colossus bien puede ser considerado como un Momento Memorable en sí mismo. Desde que introduces el DVD en la bandeja de Playstation 2, disfrutarás de momentos de gozo personal, con caminatas a lomos del caballo Agro y recorridos inusuales a la par que sorprendentes por el mundo de fantasía de Team ICO y Fumito Ueda.

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La opera prima del padre de ICO está repleta de sensaciones y momentos que marcan. No obstante, y aunque cualquiera de los enfrentamientos con los colosos dejará huella en el jugador, no podemos negar el irrepetible impacto que causará ver en acción por primera vez al coloso número uno. El inicialmente asustadizo Agro, que posteriormente cabalgará sin miedo entre las ingentes piernas de estas míticas criaturas, servirá como medio de transporte a Wanda, que tendrá que desarrollar todo su ingenio para derribar a cada uno de los dieciséis majestuosos colosos. Todo un alarde de valentía amenizado por melodías soberbias salidas de la batuta del maestro Kô Ôtani

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Dicho esto, no podemos dejar al margen el final de Shadow of the Colossus, que rompe cualquier esquema previsto por su belleza estética, su fuerza argumental y su valor artístico. Y es que cuando el jugador ha conseguido mimetizarse con el protagonista, es difícil aceptar que nuestro destino estaba marcado trágicamente desde el principio. Un final que sólo será superado por la próxima obra de Ueda.

San Fierro, Los Santos y Las Venturas, tres ciudades repletas de secretos, gentes y misiones. ¿Quién no ha podido evitar conducir hasta alguna de estas villas nada más comenzar la partida? Nadie, absolutamente nadie. Una sensación de libertad que quedaba coartada por los encarnizados ataques de las fuerzas del orden que evitaban nuestro paso a las ciudades aún sin bloquear desde la línea argumental del título. Incluso así, más de uno llegó nadando a Las Venturas, corrió por esa avenida principal repleta de casinos y pereció ante los disparos. Nada que una buena melodía de K-Rose no pueda arreglar. Un momento memorable de libertad.

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Muchos opinan que el único desembarco históricamente reseñable es el de Normandía, pero los chicos de Infinity Ward han sabido demostrar con su serie Call of Duty que se trata de una concepción errónea. Lejos de acercarnos a los espectaculares gráficos de la cuarta entrega, queremos pasear entre los disparos y las derruidas calles de la Stalingrado recreada en el primer capítulo de la serie lanzado para PC.

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La primera misión de la campaña del ejército de Rusia comenzaba con un maltrecho barco repleto de soldados hacinados comandados por patrióticos generales. Nadie huirá del transporte, sólo los apóstatas, los que traicionen a la Madre Rusia, que serán abatidos a tiros por los propios generales antes de poder escapar a nado. La llegada a tierra firme estará acompañada de explosiones y una larga cola de soldados que se resguardan para recibir armas y munición. Pero la escasez en las tierras rusas se deja notar y no hay armas para todos. "Uno lleva fusil, el otro la munición". Así, comenzamos a subir una colina de escombros marcada por la muerte, repleta de soldados caídos y con un único destino posible.

La posterior lucha en la plaza sirve para que el jugador descargue toda la tensión posible y se adentre en el juego de una manera increíblemente inmersiva, sobre todo por la melodía que suena durante el asalto, que se fusiona de manera magistral con el metálico sonido de las explosiones y el impacto de las balas. Una ambientación cinematográfica perfecta para un momento digital sublime

Aquí no vale plataforma cualquiera. Ni tampoco juego cualquiera. Los títulos de la serie Metal Slug, que no son precisamente pocos, no cuentan con un hilo argumental excesivamente profundo o protagonistas carismáticos en exceso. Ni siquiera con una mártir que canalice todo nuestro odio hacia el antagonista del videojuego.

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Sin embargo, es indudable que la calidad de la serie de SNK cuenta con una clave vital, su jugabilidad, que estimula la acción a dos jugadores con frenéticas partidas repletas de acción sin parangón. Precisamente por ello seleccionamos la segunda entrega de la saga como muestra para este reportaje. Pero no en consola, sino en máquinas recreativas, que es donde verdaderamente todos hemos vivido instantes verdaderamente míticos.

Esas salas llenas de humo y "cinco duros" bastaban para iniciar una partida a este clásico. Poco a poco, moneda a moneda, mejorábamos nuestra técnica, dominábamos las armas y descubríamos dónde estaban ocultos todos los ayudantes, hasta que, tras meses e incluso años de sufrimiento, muy pocos valientes, poquísimos, lograban superar la última pantalla en el Salón Recreativo, mientras que una marabunta de niños se amotinaba tras las luces de esa caja resplandeciente.

La introducción de Shenmue, momento memorable que seleccionamos, representa un pequeño porcentaje de lo que estamos a punto de descubrir en la aventura de Ryo Hazuki. Un joven de porte moderno llega a su morada familiar y descubre que sus congéneres están siendo vilmente asesinados por una extraña banda dirigida por un guerrero de desconocidas artes de lucha que responde al nombre de Lan Di.

Acción y sentimientos que arrancan con una introducción sorprendente para la época, el año 2000, donde las gesticulaciones y los movimientos de cámara de la escena enmudecieron a todos los poseedores de la última propuesta de SEGA en el terreno del hardware. Una introducción que recoge en poco más de ocho minutos las claves de esta obra maestra, su secuela, y la añorada tercera parte.

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El protagonista del título, Ark, descubre durante la aventura que su papel se ha limitado a servir de marioneta al mal, a Gaia Oscura, la antítesis de la luz. De este modo, el jugador se percata de que ha siendo utilizado por el mal desde el primer instante de la partida. Todo ha sido un complot para despertar al maligno, para eliminar el hechizo que protege desde siglos atrás a la humanidad. Una sensación muy desagradable.

Muchos jugadores viven con asombro su primera incursión en un juego de corte MMORPG. Aunque World of Warcraft no ha sido el primer título nacido dentro del género, pues antes ya exisitían obras como Final Fantasy XI o el míltimo Ultima Online de Lord British (Richard Garriott), no podemos restar méritos al equipo de Blizzard, que ha conseguido acumular la friolera de nueve millones de jugadores en sus servidores.

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Por ello, pasamos por el mundo virtual de Astaroth unos segundos para rescatar uno de los momentos más memorables no sólo de la historia del mundo del videojuego, sino de este año 2007. Hablamos, cómo no, de la apertura de la expansión The Burning Crusade, que tuvo lugar oficialmente el 16 de enero y abrió el camino hacia la nueva tierra indómita de Outland. Un inmenso portal aglutinó a miles de jugadores en esa zona concreta del mundo virtual y acumuló extensas colas en las tiendas, donde los seguidores del MMORPG esperaban ansiosos para recoger su copia reservada de la expansión. Todo un alarde que demuestra cómo atraer a las masas con excelentes contenidos.

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Una pieza musical da pie a uno de los mejores momentos que hemos podido presenciar en la serie Final Fantasy. La sexta entrega de la franquicia, que fue lanzada originalmente en Super Nintendo y está disponible para nostálgicos en PSX y GBA, guarda un bellísimo momento en su interior. La situación está protagonizada por la antigua militar del Imperio Celes, que interpretará el papel de Maria en la obra

"The Dream Oath: Maria and Draco",

creada para el juego por el compositor Nobuo Uematsu.

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Celes debe ejecutar con maestría la obra para que el grupo consiga colarse en la nave de Setzer Gabbiani y progresar en la aventura. Las claves que hacen grandiosa esta escena están en la interactividad que ofrece al jugador, que intervendrá en la interpretación de la propia protagonista, y en su final, con Maria (Celes) desesperada por su amado, arrojando al vacío desde la torre más alta el simbólico ramo de rosas que oprime contra su pecho.

"Aria di Mezzo Carattere" es un gran tema musical acompañado de una escena espectacular, que puso, pone y pondrá los pelos de punta a más de uno y de forma indiscriminada, pues nunca estás inmunizado a la reacción emocional que supone ver a Celes interpretando la obra de Nobuo Uematsu.

La categoría que adquieren los plásmidos de 2K Boston y 2K Australia se ha materializado en una nota sobresaliente para Bioshock, el excelente juego de acción en primera persona para Xbox 360 y PC. La ciudad sumergida de Rapture obstenta sin reparo alguno el cargo de ser considerada como uno de los núcleos urbanos más carismáticos del mundo del videojuego. Y todo gracias a su creador supremo, el antisistema Andrew Ryan, que con sus utópicas concepciones personales quiso recrear un universo socialmente equilibrado.

La verdadera virtud del personaje no reside en su ideología, sino en su forma de actuar, dirigiendo el caminar de nuestro protagonista y llevándolo de su mano, como a un esclavo, para mostrarle finalmente toda la verdad sobre la ciudad de Rapture y la misión que nuestro protagonista desempeña bajo el agua. Un pasillo oscuro, tenue, agraciado por la presencia de un elegante y arrogante galán neoyorquino de los años cuarenta. Con su peculiar verborrea, Ryan vuelve a sorprender al jugador arrastrándolo a asesinarle, siguiendo la propia voluntad del arquitecto de Rapture. Sin duda, un paso más dentro de la última obra maestra de estos dos equipos de desarrollo antes conocidos como Irrational Games.

Partiendo de la base de que la saga Resident Evil cuenta con más de un Momento Memorable, seleccionamos el cuarto episodio para destacar uno de los instantes más agobiantes, frenéticos y cargantes del género survival horror. Las persecuciones entre Leon y los aldeanos locos de esta singular villa perdida de España garantizan minutos de tensión y desenfreno para el jugador.

Sin embargo, no será hasta segundos antes de penetrar en el Castillo de Salazar cuando vivamos unos de los minutos más angustiosos de nuestra vida como jugadores. Bastará una cabaña perdida, con Ashley recién rescatada y Luis de acompañante comentando lo "bien" equipada que está la hija del presidente de EE. UU. ¿Qué falta? Una buena horda de pueblerinos. Y así es: con hachas, escaleras y demás instrumentos de campo en mano, además de los ya clásicos "¡Te voy a hacer picadillo!" o "¡Te voy a matar!", estas agresivas mutaciones con forma de "catetos" se pondrán manos a la obra para asaltar a toda costa la cabaña donde nos encontramos.

Bloquear puertas con muebles, arrojar las escaleras que los enemigos plantan en las ventanas, exterminar a los rivales que consiguen asaltar la choza, resistir los golpes, mantener a Leon en pie, evitar los mortíferos ataques de los parásitos... Todo con muy pocas -poquísimas- balas, sin apenas hierbas de curación y con el agravante de estar encerrado entre cuatro paredes y media. Un ejemplo de lo que a nadie le gustaría vivir en sus propias carnes.

Nos situamos ante Metroid, juego lanzado para NES en 1986 (Japón). Los jugadores más atentos, aquellos que leyeron las instrucciones del juego, tampoco sabían lo que esperaba al final del título, porque incluso en las páginas del manual se especificaba que Samus era un hombre. Por ello, no deja de ser significativo y hasta traumatizante que en uno de los finales Samus se quite el casco y enseñe su melena rubia al viento. ¿Dónde está el maromo? Preguntarían muchos.

Los desarrolladores, pícaros ellos, sabían que la sorpresa iba a traer cola, así que en cada juego siguiente de la serie en dos dimensiones compensaban al jugador con nuevas imágenes de la esbelta figura de la cazarrecompensas en función de los resultados obtenidos por el perspicaz jugador durante la partida. Un suculento extra para dedicar horas y horas al cartucho del juego. Ilusos éramos los que esperábamos ver a la señorita en todo su esplendor. 

Dentro de la serie Zelda existen momentos memorables para todos los gustos; desde las extracciones de la Espada Maestra hasta humorísticos recuerdos retro como el famoso "I am Error", sin olvidar finales míticos, como el de A Link to the Past o el de Ocarina of Time. No cabe duda, por supuesto, de que cualquiera de estos instantes es digno de ocupar una posición relevante en este reportaje. Sin embargo, la cercanía temporal de la última entrega de Zelda para consolas de sobremesa nos obliga a tomar como punto de referencia su ending.

The Legend of Zelda: Twilight Princess es un juego grande en todos los sentidos y no iba a ser menos en lo que a final respecta. Con las emociones a flor de piel tras acabar por enésima vez con Ganondorf, Link y la princesa Zelda aprecian en el horizonte como el malvado levanta algo que parece el casco de Midna, dulce y enigmática acompañante de viajes del protagonista. Acto seguido, el jugador vuelve a combatir encarnizadamente contra el guerrero oscuro, tanto a caballo como a pie, derrotándolo mediante una estocada mortal en el pecho: Ganondorf perece de pie, con una enigmática incursión de Zant.

El tema principal de Zelda suena, y Midna reaparece en el horizonte. Link corre con ímpetu dejando atrás a Zelda, casi ignorándola, y somos testigos por primera vez en el juego de la forma física real de la verdadera protagonista del juego, la Princesa del Crepúsculo. Una vez cumplido el objetivo, Midna ha de volver al mundo de las sombras, su tierra natal. Una marcha sin retorno e inevitable, marcada por una intensa y bella lágrima que rompe en mil pedazos el espejo, el corazón de Link y el del jugador. Todo un alarde de valentía y sensibilidad, señor Miyamoto.

La última aventura de Epic Games para Xbox 360 y PC, Gears of War, también ha supuesto segundos de tensión difícilmente inolvidables para sus jugadores. La encarnizada lucha de Marcus Fenix contra el ejército Locust está plagada de instantes cinematográficos potenciados por el impactante motor gráfico Unreal Engine 3, aunque preferimos quedarnos con un punto concreto del juego, el acto final, que llevará al jugador a acelerar el ritmo cardíaco sin previo aviso.

Las hordas de Locust acechan al equipo y la única vía de escape para acabar con la raza invasora es el tren cargado con una bomba que se aproxima. Desde este punto viviremos una huida desenfrenada hasta la posición más aventajada del tren, luchando contra soldados enemigos, evadiendo a una Berserker y, como colofón, exterminando al general Raam. Música incesante, desgarradora y vertiginosa acompañará a la acción mientras disparamos desesperadamente a las hordas de enemigos que nos acechan, esquivamos los mortíferos krills y derribamos uno de los pilares de esta civilización subterránea.

Precisamente por ello, cuando tomamos el papel de James Sunderland, protagonista del Silent Hill 2, creemos a pies juntillas su historia y el trágico devenir de Mary, su esposa fallecida tres años atrás. Sin embargo, a medida que avanzamos en esta elaborada historia, descubrimos indicios que desvirtúan la verdad salida de la atormentada mente del protagonista.

Llegados al Hotel Lakeview, con vistas al interesante lago Toluca, seremos testigos de un momento perfecto, preparado para desencajarnos la mandíbula. Una cinta y un televisor bastarán para mostrarnos de manera magistral que Mary no falleció de una enfermedad, sino que fue asesinada por el propio James. Con mucha diferencia, una de esas revelaciones que uno prefiere no llegar a saber...

La tradición nos lleva a pensar que la sociedad americana masifica y siente más las situaciones y esto es buena muestra de ello. Este estrepitoso fallo en la traducción del japonés al inglés se imprime en camisetas, aparece en carteles publicitarios, se canta y hasta se grita. ¿Dónde está el error? Si atendemos a una traducción literal, el significado de la frase no es otro que "Toda su base son nos pertenece", una cita que, a pesar de presentar una falta gramatical grave, está cargada de sentido y es reconocida por un amplio abanico de jugadores.

La "AYBABTU", siglas bajo las que se conoce la cita pronunciada por CATS, es uno de los eslóganes más codiciados por los usuarios y amantes del ocio electrónico, y cuenta con presencia humorística en diversos ámbitos, como el uso que el portal de vídeo YouTube dio a la frase durante una parada de mantenimiento.

Gordon Freeman forma parte de todo jugador de PC seguidor del género de la acción en primera persona. El equipo de Gabe Newell, Valve, supo dar forma a un héroe aséptico, que absorbiera sin problema la personalidad del jugador y reflejará la acción de la pantalla en el sentir del usuario. Precisamente por ello, el complejo de Black Mesa del primer Half Life recogió momentos interesantes y míticos, como aquel paseo en tren o las irreverentes visitas de G-Man. Años después, Ciudad 17 sirvió como morada emocional para nuestro Freeman personal, que fue testigo en primera persona del resultado de la invasión Combine.

Pero hay que remontarse hasta la obra más reciente de Valve, el Episodio 2 incluido en el paquete The Orange Box, para descubrir un momento verdaderamente memorable, de esos que dejan al jugador con la boca abierta, anonadado y sin palabras. Más concretamente, tenemos que dirigir nuestras miras al final del episodio, con Freeman como máximo héroe tras haber eliminado a los Striders y la Alianza maldiciendo al científico por el exitoso cierre del portal interdimensional mediante el cohete de Magnusson.

La transmisión de la Doctora Mossman lleva a Freeman y a Alyx Vance a iniciar un nuevo viaje hacia el navío Borealis. El Doctor Eli Vance acompaña a los protagonistas al hangar, donde tomarán el helicóptero para alcanzar la posición del barco. En plena despedida emotiva, un Advisor entra en la sala atacando a los allí presentes. Eli desata su vena de padre protector y ataca a la criatura para proteger a su hija cuando un segundo Advisor penetra en el escenario aumentando la tensión del momento. Con los tres personajes paralizados, Alyx Vance y Gordon Freeman presencian cómo uno de los seres asesina al Doctor Eli absorbiendo su cerebro. La mascota metálica Dog entra en juego enfurecida enzarzándose en una batalla con uno de los Advisors y provocando la huída de ambas criaturas. En ese preciso instante, el sonido se nubla, quedándose sólo el llanto de Alyx abrazada a su padre, que yace muerto en el suelo, mientras la imagen se funde en un funesto negro.

La carga emotiva de este final es bastante significativa, más si tenemos en cuenta su enfoque sorpresivo, pues nadie se espera que, a estas alturas del argumento, Valve fuera a prescindir de un personaje tan importante y emblemático como Eli. Sea o no un acierto argumental -eso sólo lo saben los guionistas de Half Life-, la puesta en escena de este final es simplemente superlativa.

El final de Metal Gear Solid 3 es, con diferencia, uno de los endings más emblemáticos de los últimos tiempos. Una de las grandes virtudes que Hideo Kojima ha demostrado poseer con el paso de los años es su grandiosa habilidad para convertir los juegos en verdaderas películas interactivas. La serie de Snake es buena muestra de ello gracias a la profundidad de su argumento, al papel de sus personajes y al impecable marco cinematográfico que envuelve todos y cada uno de sus juegos. Después de vivir una lucha sin cuartel con Big Boss como protagonista y vislumbrar no pocos momentos reseñables, como el sensual desnudo de Eva o la angustiosa tortura, preferimos quedarnos con el final del título, que es sencillamente sublime y sirve para acentuar la habilidad que Hideo Kojima profesa como narrador de historias. 

Nunca derrotar a un jefe final pudo tener un sabor de boca tan agrio. La muerte de The Boss es un jarro de agua fría no sólo para el posteriormente condecorado Big Boss, sino también para el jugador, que gracias al inmersivo hilo argumental del título termina sintiéndose parte de este Snake de los años sesenta. Muere la madre profesional de Snake, su promotora militar, el pilar maestro de su conocimiento en técnicas CQC; todo un símbolo en la serie Metal Gear.

La ternura que adquiere el enfrentamiento gracias al tema "Snake Eater", que suena durante la lucha y fue compuesto por Harry Gregson-Williams e interpretado por Cynthia Harrell, rompe con la violencia y el agudo sonido de las balas y los golpes, que contrastan a su vez con la hermosa estampa recreada por el voluptuoso campo de flores.

El emotivo y perfecto final cierra con Snake recibiendo la condecoración militar de Big Boss de la mano del presidente de EE. UU. En pantalla vemos un soldado dolorido por la batalla, desecho, que repudia al sistema por sus actos y que recibe un reconocimiento amargo, vacío de contenido, mientras que una voz en off narra la verdadera historia de The Boss y la finalidad de sus actos. Este perfecto y sublime círculo de emociones concluye con la imagen de Big Boss en un cementerio de caídos en combate, donde el soldado deposita el arma y una flor en la tumba de The Boss.

Como última Anciana viva y poseedora de la Materia Blanca, Aeris es la única persona capaz de proteger al mundo de la fuerza de Meteorito. De este modo, la florista de los suburbios decide abandonar al grupo para dirigirse sola a la Ciudad Olvidada, donde rezará por el planeta. Cloud, protagonista del juego, despertará esa noche tras un sueño premonitorio y correrá en busca de la desaparecida.

Al llegar al escenario, la situación se torna gris, con un vacío sonoro que sólo quedará roto por la psicótica melodía de fondo y la nefasta aparición de Sefirot que, como un ángel exterminador, aparecerá de los cielos asestando  con su masamume a Aeris una cuchillada mortal. La Materia Blanca cae del desecho pelo de la joven, que yace inerme en los brazos de Cloud mientras el héroe pronuncia unas palabras que quedaron marcadas con fuego en la retina del jugador:

"Mis dedos están adormecidos. Mi boca está reseca. Mis ojos arden"

Los instantes siguientes no son menos alentadores, pues la lucha contra Jénova, que será convocada por el propio Sefirot, provocará una agria sensación en el jugador gracias al conocido y sentimental tema musical que sonará de fondo, el Aeris' Theme. La sensación de odio hacia el antagonista que el jugador desarrollaba en ese preciso instante ha sido alcanzada en muy pocas ocasiones después de la obra maestra de Square Soft. Son muy pocos los creativos que pueden permitirse el lujo de haber conseguido que este redactor -y seguro muchos de vosotros- eche alguna lágrima cada vez que ve esta escena. Descanse en paz, eternamente y sin resurrecciones, la mejor muerta del mundo del videojuego. 

¿Cuáles son las claves para que un pequeño instante de apenas treinta segundos pase a la posteridad en la vida de un jugador? Quizá un profundo estudio psicológico-emocional de estas piezas digitales ayude a comprenderlo, pero mucho se aleja de nuestras posibilidades como periodistas. Lo que sí podemos afirmar con total seguridad es que el híbrido que conforma el medio del cine con el ocio electrónico da de sí momentos cada vez más espectaculares.

Cuando esta relación alcanza su punto álgido florecen escenas sublimes, que quedan grabadas en la retina del usuario para siempre. Es innegable en pleno siglo XXI que el arte del celuloide sirve de fuente con frecuencia para los artistas del videojuego. Y lejos de ser una relación destructiva, ayuda a perfeccionar nuestro medio repudiado por las academias.

Han sido veinte interesantes momentos que ocupan un lugar especial en nuestros corazones de jugadores, de amantes de esta nueva actividad conocida como mundo del ocio electrónico. Sé que faltan no muchos, sino muchísimos instantes de ternura, de odio, de amor, de pasión y de lucha, pero el tiempo y el espacio apremian. En próximas entregas rascaremos mucho más allá del corazón para volver a ofreceros nuevos momentos memorables, tan o más perfectos que los aquí presentes. Hasta entonces, cerramos el cofre de tesoros emocionales deseando que los maestros de lo digital sigan entumeciendo nuestros corazones durante muchos años más.